Con el escenario-biblioteca que albergaba los títulos más ilustres de cada facultad, más la puesta en escena historiográfica que realizaron casi 200 artistas y la eminencia de la tan aclamada actuación multimedia de dos iconos de la música nacional; la masa aplaudió el disfrute, la memoria y la conciencia al mismo tiempo.

El Ministro de Educación de la Nación, Alberto Sileoni, dio comienzo a los festejos trayendo los saludos de la Presidenta Cristina Fernández de Kirchner, mientras otorgaba la palabra a la rectora de la Universidad, Carolina Scotto, quien ofreció un discurso enfocado en la memoria. “Buenas tardes a todos, sean muy bienvenidos a este espacio de encuentro y conmemoración”, anunció la rectora introduciendo los términos de “memoria colectiva y compartida públicamente”, acompañados de una reflexión: “La desmemoria nos hace ingratos y nos sumerge en una deriva que nos impide volar más alto. Tan alto como lo hicieron nuestros maestros más generosos, nuestros científicos más innovadores y nuestros intelectuales más comprometidos y lucidos. En las últimas oscuridades y terrores que padecimos, donde la desmemoria se hizo parte de una política y de una cultura institucional, toda nuestra historia se desmoronó. Hoy, todo esfuerzo de memoria nos hará libres para imaginar un futuro todavía más ancho y más alto”. 

Tras las ovaciones correspondientes, las luces condujeron al pico de la incertidumbre generada desde el momento en que se montó el majestuoso predio. Pasadas las 19, comenzó a sonar el estruendo de sonidos y luces que ambientó el espectáculo acrobático y artístico. Entre grúas, cables de acero, luces, reflectores, circenses y actores; se pudo apreciar una recreación de las distintas etapas que curtieron cuatro siglos de estudio y lucha. Entre los momentos espectaculares se pudieron observar objetos y personas atravesando la totalidad del escenario mientras un proyector se daba el lujo de pasar sus videos sobre una cortina humana suspendida a casi 10 metros del suelo.

Representando la Reforma del `18, los postulados reformistas, la época de Perón, las dictaduras y las democracias; los artistas llegaron a un público que veía pasar la historia de su Universidad en una sincronía sobre tres escenarios. La euforia y las pieles de gallina se sintieron con la vuelta de la democracia y la derrota de las fuerzas represivas, simbolizadas con una enorme bota militar.

Aclamados los actores y proyectando el lema “Es pública, es de todos” sobre la pantalla, llegó el turno de los músicos. Vivi Pozzebón, encarnando a la “madre baile” con sus fusiones afro y sus percusionistas latinos, se encargó de dar el primer show, en el que homenajeó a Leonor Marzano, otra ícono en la historia cordobesa siendo ésta la precursora del cuarteto en La Docta.

Cuando pasaron las 21, fue evidente el ingreso de León al escenario. Al igual que el montaje artístico, Gieco también realizó una retahíla de etapas históricas reflejadas por sus canciones a lo largo del tiempo y representadas con materiales multimedia en la gran pantalla. A la par del Trío Las Guitarras del Amor y equipado con su armónica, el cantautor repasó clásicos homenajeando a grandes figuras que conjugaron lucha y música en la historia del ámbito latinoamericano: María Elena Walsh, Jorge Cafrune, Atahualpa Yupanqui, Alfredo Zitarrosa y Víctor Jara.

Felicitando y animando a los miles de estudiantes que presenciaban el espectáculo y “envidiándolos” por estudiar en una universidad pública, Gieco prosiguió con sus propias canciones donde se oyeron “El País de la Libertad”, “Malas Condiciones”, “El Ángel de la Bicicleta” y “Los Orozco”. También interpretó algunos títulos del trabajo De Usuahia a la Quiaca y de su último disco: El desembarco. 

Charly 

Cuando subió la figura más esperada por muchos, la masa aclamó la exclusividad de tener a dos pilares del rock nacional tocando temas como “La Colina de la Vida”, “Fantasma de Canterville” y “La Mamá de Jimmy”. Con una informalidad divertida, los músicos también recordaron a Luis Alberto Spinetta con “Post Crucifixión”, y Charly parodió su retirada con la excusa de “tengo un examen mañana”. Lo efímero de la actuación de un Charly García muy cansado, no eximió a la muchedumbre de saltar como si fuera un acolchado sacudiéndose al son de “Los Salieris de Charly”.

Al final del show, León Gieco ultimó la noche con “Cinco Siglos Igual, “El Embudo” en dedicatoria a nuestra presidenta, y “Sólo le Pido a Dios” a dúo con Pozzebón.

Balance 

Terminada la jornada, la gente se dispersó a paso lento. Se supo que algunos no pudieron disfrutar a pleno la totalidad del montaje por cuestiones de posición y la limitada utilización del gran escenario: muchos esperaron que Gieco desfilara por la pasarela del escenario envolvente que sólo se utilizó durante los 20 minutos de apertura acrobática. Sin más que reprochar, resulta indiscutible la magnificencia de un festejo a la que Córdoba no suele estar acostumbrada y que demuestra, como afirmaba la rectora anteriormente: “la convicción que nos hace querer ser siempre una universidad mejor, estar siempre insatisfechos, que se asienta en una historia que tenemos que recuperar, no para reproducirla sino al contrario, para revalorizarla con la perspectiva de todas las tareas que aún nos faltan y de todas las que ni siquiera imaginamos, pero que vendrán”.

Un día de 2011 Los Volcanes salieron de sus casas, guardaron la portaestudio bajo siete llaves, agarraron el auto y se fueron a un estudio de grabación de Capital Federal. Durante un año fueron y vinieron, en todo ese tiempo hicieron canciones hermosas y todo esto nos lo regalaron en forma de disco, para que cada vez que los escuchemos seamos un poco parte de ese recorrido tan particular.

Su primer disco, Play al viejo walkman blanco (2010) nos presentó una serie de historias, viajes y personajes grandiosos haciendo de las suyas y vagando en este mundo hostil aunque lleno de cosas bellas a las cuales cantarles. Un disco con una impronta quizás más ligada al espíritu adolescente que escuchado en vivo, generó unos lindos pogos y bailes al compás, así como también la espontaneidad de la gente que en los recitales irrumpía en el escenario y arrebataba algún micrófono para poder corear las canciones.

Himnos como “El Gran Hombre de Este Planeta”, “Pararrayos” o “Baila Conmigo” supieron dejar huella y dar fuerza a un primer trabajo un poco más íntimo y casero, que cosechó elogios dentro y fuera del país, figurando como uno de los mejores discos platenses de ése año.

Ahora la banda nos invita a preparar otra vez las valijas para continuar la aventura que empezó Play al viejo walkman blanco y nos propone un escenario renovado, con nuevos integrantes en teclado y bajo (Pablo Perazzo y Francisco de la Canal) y un sonido más complejo que le aporta un clima distinto a todas las canciones.

En Todos los sábados… la voz de José Goyeneche se desagarra cantando a “Los días Felices”, a “La Novia Robada” o a la “Pequeña Napoleón”, canciones plagadas de arreglitos y coros que te hacen cosquillas mentales cada vez que los escuchás y guitarras encendidas que saben cómo despertar ese sentimiento entre melancólico y revolucionario que te hace sentir un héroe…

Los integrantes de VyV respondieron unas preguntas a elvernaculo.com. ¡Disfruten Pues!

- ¿Dónde grabaron y cómo fue ese proceso?

- Lo grabamos en Capital en el estudio Patada Voladora de Julián Perla (cantante de Mi Pequeña Muerte). Ni bien empezamos a tocar con Los Volcanes en 2008, lo invitamos a una fiesta en La Plata. Vino, se emborrachó y se enamoró. Además, nos hicimos amigos y se copó con las canciones, desde esa época que venimos tramando grabar un disco con él. El año pasado empezamos, le mostramos los bocetos y nos propuso “producirlo”. Algo que para nosotros era una idea nueva, somos de la vieja escuela: portaestudio, compu en casa y a fantasear. Esto de grabar con un productor ajeno a la banda fue algo distinto y nos ayudó a estar contentos con la búsqueda de sonidos. Ahora somos como una pequeña orquesta destartalada que se juntó en un laboratorio con teclados viejos, micrófonos muy buenos, equipos rusos, un piano desafinado y un montón de cosas que nos sirvieron para hacer un disco más complejo aunque tratando de no perder la simpleza y la expresividad. Había temas que veníamos tocando, temas que ni sabíamos cómo tocar y canciones que directamente armamos en el estudio. La idea de entrada era experimentar cómo trabajar en un estudio de verdad y ver si podíamos conservar el espíritu de garaje que tienen las canciones del disco anterior, pero un toque más armadas. Además, nos tomamos el tiempo para experimentar con otros instrumentos y que cada uno toque otras cosas además de su función de origen. Facu (baterista) grabó un montón de guitarras, Jo grabó pianos y todos cantamos un poco.

- ¿Cuál es la mejor parte de hacer un disco nuevo?

- Cuando te lo imaginas. Creo que nosotros sólo hacemos música para imaginarnos cosas gigantes y después desilusionarnos. Siempre que empezás a tocar una canción te la imaginas grabada y sonando como un tema de Queen. Después te das cuenta de que no sabés tocar muy bien y que más o menos algo se puede armar pero es diferente a la idea inicial. Igual ese proceso también es hermoso y romántico. Y, claro, todo el proceso de grabación es divertido, sobre todo cuando uno es un poco nerd y se pasa mil horas escuchando una pandereta, subiéndole y bajándole el volumen hasta que queda bien. También, escucharlo terminado es una gran satisfacción, es el deber cumplido.

- ¿Qué nos pueden contar de la presentación oficial en La Cigale junto a Los Reyes del falsete?

- Fue genial. Un honor para nosotros que Los Reyes se hayan copado en compartir esa fecha tan importante. Además de compartir sello, hicimos una gira a Bahía Blanca y algunos otros “recis”. Son la banda que siempre está de fiesta, además de ser los mejores músicos del mundo. La fecha fue una fiesta para nosotros, veníamos de Rosario y teníamos ganas de presentar el disco en Capital, fueron muchos amigos y hubo una súper buena energía.

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Próximas fechas:

Sábado 18 de mayo - Adrogué - Bs. As.

Viernes 1 de junio – Burzaco – Bs. As.

Viernes 22 de junio - Villa María – Córdoba

Sábado 23 de junio – Ciudad de Córdoba

Sábado 30 de junio - Pura Vida – La Plata

La banda prueba sonido con el que inunda el lugar. El manager se acerca y me dice que apenas terminen de probar voy a poder hablar con ellos. Así lo hago y apenas se bajan del escenario, los platenses acceden a una entrevista con elvernaculo.com.

- ¿Cómo es volver a tocar en Córdoba?, teniendo en cuenta que en los 90 era un lugar al que venían mucho. 

Rodrigo Velázquez – Siempre hubo muy buena onda y predisposición de la gente.

Guillermo Coda – De hecho la primera vez que tocamos no teníamos disco, pero siempre hubo un buen recibimiento de parte de la gente. Nosotros tocamos igual para 70 personas como para 2000, igual de bien, de mal, de loco.

Martin Karakacoff-  El show no depende de eso, no sabemos lo que va a suceder: puede ser caótico, puede ser brillante, etc; no lo controlamos. Pero Córdoba nos aceptó desde el primer momento y eso es lo que nosotros también sentimos. Es un lugar donde somos bien recibidos, les gusta lo que hacemos.

- Volvieron a juntarse en el 2009, ¿Cómo viven este regreso? 

GC – Con alegría, para mí es como cerrar un capítulo: no tocar juntos durante diez años, volver a vernos y la música todavía nos sale. Todo lo demás no importa, la burocracia, la parte capitalista, nunca fue nuestro fuerte. Por supuesto que tiene sus pros y sus contras. Pero lo importante está, es al pedo desperdiciarlo.

- Durante esos años que estuvieron separados, Peligrosos Gorriones se convirtió en una especie de mito o banda de culto ¿Cómo lo vivían a eso ustedes? 

RV – Lo tomo como que se formó un mito, en lugar de otra cosa. Porque cuando nos separamos no teníamos una gran popularidad, me parece que no éramos tan respetados. Pero la ausencia de la banda, el material que quedó y que se difundió por Internet, permitió ponernos en un lugar más mitológico.

MK – Para mí la gente escuchó lo que hacíamos y le gusto. Cuando ya no estábamos ni en carrera, los discos estaban agotados. Entonces Internet permitió que se escuchen, el único problema es que no te pueden ver. Cuando nos juntamos se generó eso de “se volvieron estos loquitos, vamos a ver qué tal tocan”.

- Pero eso también está muy bueno, porque tal vez sus discos y su material tardó en ser comprendido… 

RV - Era un poco lo que te decía, nosotros tenemos un primer disco muy halagado y después los otros dos materiales que hicimos fueron muy ninguneados. La misma prensa, que con el primero nos puso en lugar, con los dos últimos nos ninguneó. No entendieron el material y por ahí nosotros  bajamos las producciones.

MK – También era la actitud de la banda, que es un poco indie. Porque cuando ven que salís con una remera con un agujero, previamente el productor te sugiere que te la cambies y no lo hacés. Entonces dicen “no,  estos no”, cuando esas cosas no tienen nada que ver con la música. No nos interesa transar.

GC – Es verdad, no nos vendemos muy bien, nunca tuvimos esa intención. No teníamos un aparato que nos apoye para hacerlo. Tampoco lo tenemos ahora.

- ¿Cómo es abordar su repertorio hoy?     

GC – Mucho no lo ensayamos, cuando nos juntamos (que no es muy seguido porque vivimos muy lejos uno del otro), nos ponemos a delirar y siempre salen cosas nuevas. Ya hay un montón de temas nuevos, creo que tenemos como para un disco y medio. Todavía no hemos planeado nada.

MK – Está la música, hay ofertas pero todavía no concretamos nada.

- Entonces, ¿Cuáles serían los proyectos para el resto del año? ¿Se puede esperar un nuevo disco? 

GC – Seguro que vamos a hacer algunos recitales más y vamos a ensayar mucho.

MK – No tenemos nada planeado, ni el cómo ni el cuándo. Pero tenemos que grabar, no sabemos si vamos a “demear”. Lo concreto es que nosotros nos juntamos a ensayar, si sale un recital vamos y lo tocamos. Se puede esperar un cuarto disco de Gorriones.

GC – Pero lo digamos, los Gorriones están vivos, están juntos musical y espiritualmente, después veremos qué pasa. 

- Para terminar, ¿cómo recuerdan o qué recuerdan de aquellos primeros años?  

GC- ¡Nada! (risas). Fue divertido.

RV – Era otra época, éramos otras personas.

MK– Hemos cambiado, estamos más grande, más maduros pero hay algo igual que está intacto.

GC – Fueron años de aprendizaje y locura, a eso lo percibís con la distancia  que te da el tiempo.

Escafandras

Ahora la Belle Epoque está llena, es de madrugada y estamos más viejos, la gente comienza a ubicarse porque percibe que es inminente el show de Peligrosos Gorriones. La mayoría del público es veinteañero, quienes cuando la banda se separó apenas si habían pasado la pubertad. Es esa la capacidad de la música: la de traspasar y no envejecer.

El ambiente del lugar se inunda con la ansiedad de las chicas (y también de los chicos) que vinieron a ver el show. Pero cuando salen los Gorriones destruyen esa ansiedad y ellos se hacen cargo del ambiente, al que llenan con esa versión furiosa que hacen del grunge.

Apenas se para en el escenario Francisco Bochatón, totalmente encendido de rock, se mueve con la misma intensidad de sus canciones. Que se alimenta de ese sonido que posee cantidades justas de hardcore, punk, post-punk y melodías pop que te hipnotizan. Son temas en los cuales la energía va subiendo y terminan en un grito de dientes apretados.

La lista fue precisa y explosiva porque estuvo plagada de clásicos de la banda,  como “El Bicho Reactor”, “Siempre Acampa”, “Panza de Arañas”, “El Mimo”, etc. Por supuesto que el final fue para “Escafandra”, un hit símbolo del nuevo rock argentino de los `90 y que demuestra que en esa década no todo fue infame.

Un show enérgico, eléctrico, caótico y contundente, que transformó la ansiedad de esas chicas (y chicos) en serenas charlas. La Belle Epoque sigue llena y es entrada la madrugada, algunos deciden emprender el vuelo de regreso. Es tarde y el periodista enviado por elvernaculo.com, es más viejo aun. Pero eso es sólo una formalidad del tiempo, porque él siente que las canciones de los Gorriones dejaron a su espíritu perfumado de adolescencia.

Como objetivo principal Córdoba de Flamencos plantea relevar, cubrir, informar, integrar y comunicar el arte flamenco en toda su forma. Concibiéndolo como un Patrimonio Inmaterial de la Humanidad que cada día se consolida con más vigor en cada rincón del mundo, se buscará establecer contacto e interrelacionar artistas, público, profesores, alumnos y todo aquel interesado en disfrutar, practicar o participar de cualquier expresión de la cultura andaluza.

Desde un tratamiento periodístico, fotográfico y de archivo, se tratarán noticias, novedades, entrevistas, eventos, biografías, artistas y multimedia para acompañar este proyecto.

Están abiertos los canales de contacto para toda persona que busque informar o informarse, participar, aportar, sugerir o simplemente apoyar e impulsar esta iniciativa.

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Bajo la sombra de un árbol una mesa contiene botellas de cerveza y gaseosa, sándwiches y cigarrillos. Nada tiene dueño. De una rama cuelga una tela para practicar acrobacias en altura. Tres pibes conversan en inglés. Dos nenes juegan a las corridas, unos perros deambulan sin rumbo fijo. Entra y sale gente de las habitaciones. Dos sevillanos ofrecen mate. El patio es una puesta en concreto de la casa comunitaria.

Con la música en la sangre 

En una de las construcciones, la banda Lilan Sur Exprés ensaya ritmos mestizos en los que la rumba, el ska y la cumbia se combinan fraternalmente. Casi podría asegurarse que los temas parecen la banda sonora más adecuada para la escena que transcurre en ese patio periférico de la ciudad.

Lilan Sur es el nombre de un grupo que realiza trabajo de hormiga con presentaciones constantes en los escenarios cordobeses y en cuanto lugar aparezca disponible desde hace un par de años. Pero es también el nombre artístico del músico bonaerense Julio Longo. Eterno trotamundos y poco afecto a establecerse en un lugar fijo, hizo una excepción en Córdoba. “Nunca echo raíces en ninguna ciudad porque creo que soy ciudadano del mundo”, sostiene Lilan.

A sus 52 años, con treinta de carrera ininterrumpida, cuenta que nunca le gustó recibir órdenes. “Por eso aprendí oficios, para que nadie me mande. Me das un terreno con los planos y te entrego una casa lista para habitar. Sé de albañilería, electricidad, pintura, plomería”.

Esos oficios adquiridos le permitieron afrontar crisis de las que suelen abundar en Argentina. Pero no tiene dudas acerca de su verdadera pasión. “Podés ejecutar bien un instrumento pero ser músico es otra cosa. Es tocarlo y llevar adentro que si te cortás, de tus venas sale música”, explica, “me subo a cualquier escenario con la acústica y la gorra y me alcanza para comer y vivir”. Pero le costó bastante conseguirlo. De hecho, recién pudo dedicarse en exclusividad a tocar y/o enseñar hace doce años.

Lo primero que aprendió fue tocar la batería y luego incorporó guitarra. Debutó en mayo del ´78. Se asomó por el telón y vio que estaba lleno. “Me dije esto es lo que elegí: o me acojono acá y abandono o es lo que intento el resto de mi vida”.

El color popular

A principios de los noventa conoció a los Decadentes y entabló una amistad que perdura hasta la fecha. Lilan cree que le ayudaron a abrir su cabeza y años después se acercó a la música tropical, un terreno que nunca había explorado. Grabó unas cumbias para una artista de Olavarría que quedó trunco y cuando parecían destinadas al olvido llegó la resurrección: Lía Crucet le pidió temas a los Decadentes y dentro del material elegido se coló una composición suya.

El tema se llamaba “Los Colores del Amor” y fue corte de difusión e incluso nombre del álbum. “Lo loco es que cuando yo pensaba en producir a la chica de mi pueblo, decía en las entrevistas que ese iba a ser el nombre del disco y el corte de difusión”. Pero no funcionó a nivel financiero. “Cobré monedas, vino el corralito y ahí compuse un tema que me va a llevar al éxito que se llama Cajero dame más plata”, recuerda Lilan, mitad lamento y mitad risas. 

Elige tu propia aventura

Luego se fue a Europa con una guitarra y algunos demos en la mochila. “Cuando uno trota el mundo tiene una lectura muy rápida de donde está el trabajo musicalmente. Es lo que te permite primero sobrevivir, luego vivir”. Su técnica era acercase a los bares y tocarles en vivo y en directo. Cuando le pedían grabaciones, contraatacaba: “Yo vengo a laburar en el horario que quieras con mi guitarra. Si no tenés 5 minutos para escucharme, yo tampoco estoy interesado en tocar en tu lugar”. Rara vez le negaban la oportunidad.

Así recorrió España, Francia e Italia. Conocía músicos en el camino y los asociaba como compañeros de ruta. En un pueblito fue showman de un crucero.

- ¿Cómo llegaste a un crucero?

- En Italia estaba con un socio. La banda se llamaba Il Transatlántico. En una fiesta privada, nos vieron y nos llevaron a prueba. Supongo que les llamó la atención el nombre del grupo. Era un barco costero que partía de Gallipoli, un puerto muy lindo y antiguo de Italia que parece anclado en el siglo XII. El viaje arrancaba a la mañana y regresaba a la noche. Era lindo pero cuando querés mostrar tu material necesitás ciudades más grandes.

En la búsqueda de esas ciudades estaba Lilan cuando se produjo su regreso definitivo a la Argentina. “Fue muy duro quedarme. No estaba preparado. Todo esto que acá te cuesta mucho allá no cuesta casi nada”, compara. La salud de su mamá fue el detonante del regreso.

Próxima estación esperanza

De su periplo europeo editó primero El regreso del ilegal (una serie de grabaciones encontradas que alternan los registros en vivo y material de estudio) y un segundo disco que llevó el nombre de Lilan Sur Exprés. Ambos materiales comparten la presencia de muchos músicos que no forman parte de la banda regular que acompaña a Lilan. Esta situación se va a modificar a partir de Estación Córdoba, el álbum que piensan editar a fin de año con producción de su amigo Goy Ogalde.

En palabras del propio entrevistado: “Estación Córdoba es el punto de partida donde yo elijo una estación para que la Lilan Sur Exprés (que es un tren) parta con todo el recorrido que ya tiene a partir de un montón de canciones”. En esa sintonía, su flechazo con la ciudad también tiene una narración. “Te bajás del tren, caminás las callejuelas y decís yo la verdad es que no tengo ganas de seguir viaje. Así me pasó a mí. Vine del mundo y paré acá porque vi que tenía una cosa muy bonita a nivel humano y artístico”.

Con planes para montar una productora que favorezca el intercambio con artistas de otros países, Lilan está convencido de estar en el lugar adecuado en el momento indicado. Va a armar dos giras por Buenos Aires para julio y para septiembre. Espera contar con el disco listo en diciembre. Al calor del mestizaje sonoro, ajusta los detalles para el show. “La banda va a explotar”, dice con esperanza. Es la estación que transita en la actualidad, como un émulo de Manu Chao.

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Lilan Sur Exprés actúa como banda invitada de El Chavez hoy en La Fábrica (Caseros 998). Anticipadas: Ganjah Reggae Shop (Bolívar 26 Esq. Dean Fúnes) y Circo Negro (H. Irigoyen 195).

High Flying Birds es el nombre de la banda de Noel y también es el nombre que titula a su primer álbum. Un disco relajado, con melodías simples pero altamente efectivas, mostrando la influencia (más que conocida) que ejerció The Beatles en la forma de componer del inglés nacido en la ciudad de Manchester.

Si hay algo que caracterizó el show del mayor de los Gallagher es la simpleza, en todo sentido. Una puesta en escena que no mostraba nada que pueda distraer al público de la música, no hubo lugar para pantallas gigantes, ni pirotecnias, o algo que se le parezca. Sólo un sobrio juego de luces y un sonido contundente y nítido que permitía disfrutar en plenitud la enorme voz de Noel.

A las 21.45 y ante cuatro mil espectadores que se acercaron al Orfeo Superdomo arrancaron con “(It’s Good) To Be Free” y “Mucky Fingers” de Oasis, mientras Noel intercalaba a cada momento su guitarra eléctrica con su acústica para también dar repaso a su nuevo disco con grandes temas como: “Everybody’s On The Run”, “If I Had A Gun”, “The Death Of You And Me”, “What A Life!”, entre otros.

Conocido por no ser un músico muy verborrágico en vivo, tuvo algunos momentos de interacción con el público, saludando a todos los presentes con un “Buenas noches Córdoba. ¿Cómo están?”. Y también para mencionar que el Manchester United es el segundo mejor equipo de Inglaterra después de su querido Manchester City. Mostrando su otra pasión: el fútbol.

Una gran versión acústica del clásico “Supersonic” del disco debut de Oasis –Definitely Maybe (1994)– marcó uno de los puntos altos de la velada. Mientras presentaba dos temas nuevos: “Freaky Teeth” y “Let the Lord Shine a Light On Me” con algunos lados B de su antigua banda como “Talk Tonight” y “Half The World Away” que formaron parte del disco The Masterplan (1998).

Ya sobre el final cayeron tres clásicos inoxidables: “Whatever”, “Little By Little” y la preciosísima “Don’t Look Back In Anger” del multiplatino (What’s The Story) Morning Glory (1995) donde cuatro mil gargantas entonaron el famoso estribillo.

Un show soberbio en manos de un músico mayúsculo y acompañado de una banda compacta que dejó a todos con un muy buen sabor de boca.

Una nueva temporada de, además, continuar ésta columna donde la idea es señalar, marcar, recomendar algunos placeres que merecen ser vistos por múltiples razones, sobre todo para que ese placer sea parte de un ritual conjunto. Para luego comentar entre amigos, socializar el amor/odio a los personajes y ver cómo la trama o la historia puede ser cambiada por nosotros que además de espectadores nos transformamos en productores integrales.

Un conjunto de cinco series que aparecieron en estos primeros meses del veintedoce y que deben figurar en la agenda de cualquier amante del mundo catódico.

Boss (jueves 22 hs. por TNT): El poder político y la construcción cotidiana del mismo es puesto en primer plano desde la mirada de alguien que ve peligrar su salud pero sobre todo ese poder que ha construido. Producida por Gus Van Sant (en uno de sus encargos para televisión) y por Kelsey Grammer, quien ofrece el retrato de un Maquiavelo contemporáneo que bien vale la pena descifrar.
Un sólido guión, actuaciones valiosas pero sobre todas las cosas un manejo de la cámara que nos narra a cuentagotas una de las historias más potentes que nos ofrece la grilla de series de este año. Un hallazgo que hay que ver por que ésta serie parece ser la destinada a ocupar el lugar vacante que ha dejado Lost.

New Girl (martes 22 hs. por Fox): La sitcom de la bella Zoey Deschannel cuenta las peripecias de un grupo de jóvenes ya grandes pero que pareciera ser que no abandonaron la adolescencia (más aun al momento de establecer vínculos y relaciones). Típica comedia de enredos que se disfruta a pleno con un ácido y dinámico guión.
El trío de varones que acompaña a la protagonista absoluta dignifica con gracia además de contar con una de las mejores bandas sonoras del año… (¿Graduados no se habrá inspirado afanosamente en ella? Para pensarlo mientras se ve una maratón de ésta delicia).

Smash (miércoles 22hs. por Universal): Sin la adolescencia y desparpajo de Glee, ésta serie viene a desmontar, revelar y mostrar (nos) el detrás de escena del armado de una comedia musical que se está por estrenar en Broadway y a certificar el buen momento que pasa el musical en la actualidad. Todo lo que imaginamos que pasa y nadie comenta lo muestra esta serie, al mismo tiempo que va expone números musicales y canciones que valen la pena escuchar.
El fantasma de Marilyn Monroe (paradigma de la cultura norteamericana) sirve como hilo conductor para las intrigas palaciegas y de camarines de esta historia que esperemos continúe más allá del real estreno de la obra.
Para disfrutar sin culpa.

Touch (lunes 22 hs. por Fox): Esta serie que venía con todas las expectativas y demás, muestra lo que otras ya hicieron de mejor forma. Todos estamos conectados y destinados por causas o azares a encontrarnos de alguna manera. Kiefer Sutherland la produce y, después de la genial 24, nos muestra el reverso de aquella y la cara bonita del sistema.
Una serie con buenas intenciones que capítulo a capítulo se mejora y va encontrando su rumbo.

Homeland (domingos 23 hs. por Fox): Otra de las revelaciones y sorpresas de la temporada que viene de arrasar con premios y lauros de todos los lugares. La vida post 11 de septiembre y post guerra de Irak retratada con el pulso bipolar y ansioso (o ansiolítico) de los organismos de control.
¿Cuán peligroso puede ser un hombre para un país después de haber sobrevivido al horror, la tortura y el despojo de la condición humana? ¿Cuán peligrosa puede ser una mujer que conoce secretos, saberes de los poderes y duda de todo? ¿Qué efectos tienen en esas personas las sociedades de control? Preguntas que buscan respuestas en una serie que toma en serio estos temas y los desarrolla de manera inteligente.
Claire Danes y Damian Lewis se cargan al hombro ésta serie que hay que ver para entender algo del mundo que habitamos.

Placeres gustosos, culpables e ideales para no dejarlos pasar…
Yo indico, ustedes optan por lo que les deseo buen viaje en ese universo televisivo que está para conquistar y conocer…Gen

El Cemento de Dios no es un disco más de una banda local, significa la vuelta a las bateas y a los escenarios de uno de los grupos de rock de Córdoba que construyó las bases de la profesionalización de la música en la ciudad, luego de que Ají Rivarola (bajista y cantante) estuviera viviendo en México unos años.

Armando Flores nos regala un disco con trece canciones bien definidas y con la sorpresa de la participación de reconocidos músicos y artistas de nuestra ciudad.

El último álbum de la banda del Ají es un disco propiamente urbano y nocturno donde se pinta la nostalgia de una ciudad que hay que volver a reconocer. Paisajes de barrios queridos, amores perdidos y las reflexiones de largas caminatas nocturnas. Con músicos jóvenes y talentosos, Armando Flores nos lleva por sonoridades siempre ligadas al reggae y al ska, pero también vincula identidades sonoras del folklore, del tango y altos tintes psicodélicos de la mano del guitarrista Félix Scotto.

Nuevas canciones, nuevas visiones, la mística y la magia de siempre. Armando Flores juega a ser la banda chamana del rock de Córdoba. Y lo es.

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Armando Flores presentará El Cemento de Dios el jueves 10 de mayo de 2012 en el auditorio mayor de Ciudad de las Artes –Avenida Riccheri esquina Concepción Arenal-. El show comenzará a las 21 hs. y las entradas cuestan $30, disponibles en boleterías de Ciudad de las Artes.

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Ficha Técnica

Armando Flores: 

Félix Scotto – guitarra y coros.

Edgardo “Nete” Ruiz Díaz – batería, percusión y coros.

Joel Elián Fussero – teclados, piano y acordeón.

Juan Alejandro “Ají” Rivarola – bajo y voz.

Músicos Invitados:

Baltazar Ferrero – voces.

Jorge “Titi” Rivarola – guitarras y arreglos.

Fernando Rodríguez Blas – percusión y arreglos.

Josi María Torraba Della – trompeta.

Marta Rodríguez – trombón.

Germán Rivarola – voces.

María del Mar Arias Vázquez – voces.

Técnicos de grabación: Guillermo Herrera y Marcelo Herrera.

Mezcla: Marcelo Herrera, Guillermo Herrera y Ají Rivarola.

Arte de tapa: Jorge Cuello.

Diseño gráfico: Lis Paz.

Producción artística general: Ají Rivarola.

Grabado, mezclado y masterizado en enero y febrero de 2011 en Estudio “Los Hermanitos”, Córdoba, Argentina.

La forma particular que tiene Raphael para trabajar ha sido, según Choi, lo que más los ha sorprendido. “Nos hizo dar cuenta de que grabar un disco es muy fácil. Nos fue guiando y aconsejando, lo hizo fluir. Hizo que el clima de la grabación fuera como un juego. Estábamos jugando y no importaba nada. Así se sintió y así pasaron todos los temas. Y eso es lo que él buscaba”, asegura.

Pero, al mismo tiempo, para el cantante y guitarrista de París París Musique, la experiencia es doble. Raphael es huésped en la casa de su tío y él, como anfitrión, está en permanente contacto con el productor.

Ahí mismo, entre medio de computadoras y comida naturista, Raphael habló con elvernáculo.com sobre su viaje a Córdoba, su trabajo y su visión sobre el estado actual de la música.

- ¿Qué pensás de la música -y el rock en particular- hoy, en 2012?

- Me parece que hoy el rock sigue siendo tan potente y mágico como siempre. Viajo alrededor del mundo y me encuentro con bandas jóvenes que tocan rock, con un espíritu fabuloso y grandes canciones, como París París Musique. Cuando escucho su música siento que es tan buena como cualquier cosa que haya escuchado antes, entonces no creo que sea algo que pertenezca sólo al pasado. 

- ¿Qué te motiva a viajar y trabajar con bandas de diferentes partes del mundo?

- Son varias razones en una. Primero, ir a lugares que no conozco y ver cómo son y cómo se siente estar ahí. Después, el hecho de estar en contacto con música que me gusta y que me inspira, y sobre todo, involucrarme en un proceso creativo con la gente que hace esa música. Además, conocer a gente de diferentes culturas y poder comunicarme con ellos a través del lenguaje que compartimos, que es la música. Me resulta muy sencillo hablar con gente que hace música porque es algo que amo y tengo un poco de experiencia en eso.

Al mismo tiempo, este es mi trabajo y es la forma en la que me gano la vida. Me gusta trabajar de esto. Y otra de las cosas que me motiva para grabar bandas es el hecho de tratar de romper con esa idea de que la grabación es una situación tensa en la que alguien va a interferir en tu música y hacerte sentir que no has trabajado lo suficiente como cantante o que no estás preparado. Quiero que las bandas se sientan entusiasmadas y quiero mostrarles que puede ser muy sencillo grabar.

- Cuando una banda te busca para trabajar, es probable que lo haga a partir de tus discos con los Strokes o Regina Spektor, ¿cómo hacés para trabajar con ellos empezando desde cero?

- Cuando conocí a los Strokes eran un grupo de jóvenes tocando en un bar así que en cierta manera empezamos desde cero. Por eso, para mí cualquier disco que haga puede ser otro Is This It. Yo no esperaba que los Strokes se convirtieran en un fenómeno. Tenía ciertas expectativas con Regina Spektor pero de los Strokes me sorprendió de una manera muy agradable. Por eso, encaro cada proyecto que llevo a cabo con la misma actitud y predisposición. No me relajo porque estoy en Córdoba y no en Nueva York. No es que me quedo en la computadora e ignoro a la banda o trato de apurar las cosas para volver a revisar mis e-mails.

- ¿Por qué elegís grabar en vivo, con toda la banda tocando?

- Sólo elijo eso si la banda busca un sonido en particular y si ellos mismos están confiados en sonar bien de esa manera. Si una banda es buena y confía en su sonido, es una gran forma de ir rápido, conservar la energía en lo más alto, hacer de todo el proceso algo excitante y que todo eso se transmita a la grabación.

- Entonces, depende de la banda. No es un criterio a priori.

- Antes de empezar a trabajar con una banda necesito tener en claro varias cosas. Por ejemplo, cuánto tiempo tenemos para hacerlo, por cuánto tiempo querés que vaya a tu ciudad. Pueden ser tres meses u ocho días y eso es importante para organizar mi vida. Por eso necesito saber cuántos son en la banda, si quieren grabar juntos o si necesitan hacerlo por separado, cuál es su visión sobre lo que quieren hacer. Acabamos de registrar un álbum entero, tocado y cantado, a un estándar muy alto, con el que todos estamos contentos y sentimos que es bueno, los cinco músicos y yo. Y sólo nos tomó cuatro días. Eso sí que es rápido.

- ¿Qué encontraste en París París Musique?

- Me encontré con una banda que estaba extremadamente preparada para hacer su disco y cada canción es muy interesante, de principio a fin. Para ser honesto, cuando escuché su música y nos empezamos a contactar, imaginaba que me iba a encontrar con unos tipos obsesionados con el indie rock británico, vestidos como los Libertines, como algo de segunda mano. Quería conocerlos, quería conocer la ciudad, pero me sorprendió muchísimo lo poderosos y talentosos que son.

- ¿Sentís alguna presión por las expectativas que pueda tener la banda por tu trabajo? 

- No. Sentía mucha presión como músico cuando era joven. Para mí era difícil, no fui siempre un buen músico. Pero a los diecinueve dejé que la presión se fuera y decidí que nunca iba a competir con la música y que haría sólo lo que me naciera desde adentro. De esa forma, supe que nadie más podría competir conmigo porque nadie sabe cómo ser yo. Entonces, cuando me acerco a la música desde el punto de vista de lo que hay adentro mío, siento que está todo bien y que puedo hacerlo. Igualmente, ese es sólo mi estilo. Alguien como Julian (Casablancas) está muy preocupado por lo que la gente piensa de su música y de todas formas lo ha hecho muy bien. 

- A más de una década del lanzamiento de Is This It, ¿qué balance hacés del rock como idea recuperada? ¿Creés que ese espíritu revisionista sigue vivo o estamos ya en el medio de otro paradigma?

- Lo vi con mis propios ojos, estuve ahí, en Nueva York y en Londres. Vi un cambio cultural en mucha gente joven que pensaba que el rock era la música de sus padres y creía no se podía relacionar con eso. Y el año siguiente a la salida de Is This It, en todos lados hacia dónde miraba en ambas ciudades, había tipos con camperas de cuero, cargando guitarras en la espalda, formando bandas y abriendo clubes. Y el rock estaba de vuelta. Soy muy feliz por haber visto eso y por haber participado.

- Entonces, fue algo real, mucho más que una movida de prensa.

- En los diez años que pasaron desde la salida del disco, muchísimos chicos me han escrito o venido a decir que dejaron de escuchar música tecno o de ir a los clubes de electrónica y empezaron a formar bandas y a usar zapatillas de lona gracias a Is This It. Igualmente, no creo que la primera década de los 2000 haya sido buena con la música y no siento que haya mucha música maravillosa en el mainstream. La cultura ha hecho algo extraño con la música, la economía de la música ha cambiado, es extraño cómo los músicos se ganan la vida y financian sus giras. Es un desafío. Por eso, pienso que el espíritu de esos años sigue entre nosotros pero hay mucho más trabajo por hacer. Espero que algunas de las bandas con las que trabajo y que todavía están en el underground tengan la chance de ser escuchadas en todo el mundo como pasó con Is This It.

Víctor Pintos tiene menos años de los que uno podría pensar si revisara detalladamente su currículum. Con una vasta trayectoria que lo llevó a trabajar en medios como Expreso Imaginario, Página/12, Télam, Rolling Stones, o a ser uno de los creadores de rock.com.ar, este porteño oriundo de Olavarría aterrizó en Córdoba en el 2009 por amor -su esposa es cordobesa-, barriendo con ese falso mito de que para tener una carrera hay que ser soltero.

Actualmente, además de dirigir Nuestra Radio (N.R.), la emisora en la que devino aquella Power FM, conduce las mañanas desde el 12 de marzo en Disco Pi por la misma emisora.

Disco Pi o el amuleto del archivo

Cuenta la leyenda que el Disco Pi o Disco Bi es un amuleto oriental que consta de un aro de piedra con un orificio en el centro que representa el cielo. Hay quien dice que este amuleto debe ser rozado con los dedos para protegernos en malos momentos o ante un peligro inminente. La efectividad del objeto queda relegada a la fe, lo cierto es que uno podría pensar que el nombre del programa no tiene nada de azaroso. Amuleto o carta para establecer a una radio que cumple su primer año de vida, el programa se apropia de las mañanas con entrevistas minuciosas a personajes de la talla de León Gieco, por ejemplo, sumado a la escucha de vinilos y al bagaje que posee Pintos y queda manifiesto cada mañana de 9 a 13.

El programa lo muestra en su faceta coleccionista, creador de un archivo personal que siempre tiene la oportunidad de ser mostrado. Tal es así que se anuncia para mayo/junio la emisión de una serie de entrevistas que el periodista mantuvo con el fallecido Luis Alberto Spinetta.

La radio de todes

Sin embargo, no es menor que Disco Pi y Víctor Pintos estén en Nuestra Radio. Él tiene el foco bien puesto en la música popular argentina, desde el folclore hasta el rock. Sin escala. Y la emisora tiene como pilar la música local. Entiéndase por eso la de la ciudad, la de la provincia y la de la nación. Una radio con un alto porcentaje de música en español pero que no por eso deja afuera la cantada en otros idiomas.

El paso de Power FM a Nuestra Radio se da cuando la presidencia del Multimedio SRT opta por convertirla en una emisora más representativa de una ciudad llena de estudiantes universitarios. Mañana festeja su primer año de vida y no es poco. Más si se tiene en cuenta que los cumple con lo que Víctor comentaba en diciembre 2011: que para este nuevo calendario se buscaría afianzarla como una radio con conductores, con una propuesta más fuerte tras el período de presentación.

- ¿Cuánto tiene N.R. de Victor Pintos?

- Digamos que todo. Sólo que, guarda… ¡pará! La pregunta es capciosa. ¿Cuánto tiene de mi? Todo. ¿La radio es todo yo? No, claramente. La radio se hace con un equipo y se seguirá haciendo con un equipo de gente que va detrás de una idea. En la medida que me meto en algo, trato de ponerle todo lo que tengo y no siempre se puede. A mi me ha interesado que en cada producto que yo me involucro, haya una impronta mía. O sea, me he cuidado mucho de no hacer nada de lo cual me avergonzaría años después. Y es difícil eso. Cuando entrás en este trabajo es muy difícil mantenerte limpio porque el devenir de las cosas es una calle de tierra. Llovió un poco y enseguida alguien te puede salpicar. Y yo vengo del medio de Buenos Aires que es muy jodido en ese aspecto. He visto a muchos compañeros de mi generación que quedaron totalmente enlodados a la primera lluvia.

Y a la vuelta de la esquina…

Además de su carrera periodística en medios reconocidos, es el autor de libros como “Tanguito – La verdadera historia”, “Atahualpa Yupanqui – Este largo camino (Memorias)”, “Atahualpa Yupanqui – Cartas a Nenette” (que recopila la correspondencia entre el ídolo del folclore y su esposa) y es el escritor de “Cosquín Rock” el libro de José Palazzo sobre su festival homónimo.

Es el ideólogo y realizador de conferencias como “Malvinas/25 años” (la guerra explicada desde las canciones de esa época), “Llegando a Tacuarentown” (cuenta la historia del rock argentino), “Atahualpa 100 años”, “200 latidos” (recorre la historia del país a partir de la música). Produjo discos de León Gieco, de Atahualpa Yupanqui, y hasta estuvo involucrado en la banda de sonido de la película “Tanguito”.

¿Para el 2012? Para este año tiene muchos más proyectos, que verán la luz antes de diciembre o se convertirán en semillero de los años venideros.

 - ¿Te falta algo por hacer?

- Me falta conocer a Bob Dylan (risas). Para este año no descartaría la posibilidad de hacer dos libros, por ejemplo. Soy bastante persistente.

- Y en el medio, la radio.

- Esto que te acabo de contar es la explicación de cómo pude hacer tantas cosas en tan poco tiempo. Cuando era más chico pensaba en hacer cuatro o cinco cosas a la vez y no sabía concretarlas, entonces concretaba dos. Ahora que estoy más grande voy administrando mejor las energías… Todos estamos bajo la ley del macetazo: es que vos estás bien, haciendo lo que te gusta, sos feliz, lo que sea. La vida. Nadie está exento de la posibilidad de que un día dobles en una esquina y justo la señora sacó las macetitas para regarlas, vino un viento, se cayó la maceta y chau, se terminó todo. Entonces en el momento en el que ves la maceta, como en las películas, vos decis “¡mierda! ¿Hice todo lo que pude haber hecho o me colgué y dejé cosas para hacer?”. Entonces, recordando que en cualquier balcón hay una maceta…

Y que vivimos en una ciudad plagada de edificios, concluye esta cronista.

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Disco Pi se emite de lunes a viernes de 9 a 13 por Nuestra Radio, 102.3 FM o http://www.nuestraradio.fm/